El blog

Este blog tiene una finalidad exclusivamente educativa. Está siendo elaborado por alumnos del IES Nueve Valles supervisados por los profesores del Departamento de Geografía en Historia. Si los posibles autores de alguno de los textos o imágenes utilizados consideraran inadecuada su presencia en el blog, ruego me lo comuniquen a esta dirección de correo:

ferbierzo@gmail.com

miércoles, 11 de noviembre de 2015

IMPRESIÓN, SOL NACIENTE


FICHA TÉCNICA
·         MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA: Pintura
·         OBRA: Impresión, sol naciente
·         AUTOR: Monet (1840-1926)
·         MOV.ARTÍSTICO: Impresionismo
·         CRONOLOGÍA: S.XIX (1872)
·         LOCALIZACIÓN: Museo Marmottan-Monet (París)

ANÁLISIS TÉCNICO
Se trata de una pintura al óleo sobre lienzo.

ANÁLISIS ICONOGRÁFICO
 En esta obra el autor nos muestra tres botes de remos que navegan por el puerto de la Havre, mientras al fondo, entre la niebla matinal y la humareda de las chimeneas de las fábricas, sale el sol.
Al fondo, entre la niebla y el humo de las fábricas, se perciben las chimeneas de éstas, grúas y los barcos mercantes anclados en el puerto.
Monet, al intentar captar la atmosfera de la naturaleza en un momento fugaz, en un instante,  opta por no definir claramente el contorno de los botes y todo se entremezcla con el humo de las chimeneas y la bruma.



ANÁLISIS FORMAL
Composición
Eje vertical-central marcado por la barca del primer plano. Diagonal que marcan las tres barcas. Horizontal del fondo. Líneas verticales de las chimeneas de las fábricas y las grúas del puerto. Punto de vista alto



Pincelada
Para esta obra Monet olvida los contornos definidos y el perfilado de las figuras, dejando así un conjunto de pinceladas cortas, gruesas, rápidas, luminosas, dinámicas, y  vigorosas. Son pinceladas que se aprecian a simple vista, sin que ello le importe lo más mínimo al pintor.
En este sentido son significativas las manchas de color naranja que representan los reflejos del sol en el agua y que van separándose a medida que se acercan al espectador.
La técnica utilizada es fruto de la espontaneidad e inmediatez que exige la pintura al aire libre para captar una impresión fugaz de la naturaleza. Por ello, las figuras están esbozadas de forma muy esquemática.


Color
Destacan los tonos azules y grisáceos creando así una tenue neblina  que envuelve todo el lienzo. Estos tonos están en un fuerte contraste con el naranja del sol y su reflejo.
La elección de estos dos colores complementarios responde al conocimiento del pintor de la ley del contraste simultáneo, descubierta en 1839 por el químico francés Eugène Chevreul. Según esta ley, la yuxtaposición de dos tonalidades complementarias hace que la intensidad de ambas sea mayor, lo que permite abandonar el tradicional sistema del claroscuro.
Monet no emplea tonos negros y es la retina del espectador la que funde y crea la realidad, terminando el cuadro.



Espacio
Desaparece el sentido del volumen y la búsqueda de la perspectiva. Realmente, solo interesa captar las inagotables variantes de los reflejos de la luz sobre el agua.

Luz
Auténtica protagonista del cuadro. El auténtico tema de este lienzo lo constituye la captación de los reflejos de la luz del sol del amanecer sobre el agua (uno de los temas predilectos de los impresionistas), así como la fusión en el cielo de esa misma luz, la bruma y el humo de las fábricas.



ANÁLISIS FIGURATIVO:
Monet tiene el deseo de captar no la representación real del amanecer en el puerto, sino la impresión causada por el amanecer y los efectos que la luz matinal provocan en el agua y el horizonte, donde el humo expulsado por las chimeneas, símbolos de la era industrial, se mezclan con la neblina matinal.
Monet explicó así su cuadro:
"El paisaje no es otra cosa que una impresión, una impresión instantánea , de ahí el título , una impresión que me dio. He reproducido una impresión en le Havre, desde mi ventana, sol en la niebla y unas pocas siluetas de botes destacándose en el fondo... me preguntaron por un título para el catálogo, no podía realmente ser una vista de Le Havre  y dije "pongan impresión"
Estas palabras de Monet muestran de forma clara su forma de entender la pintura de paisaje:
Monet: “Los otros pintores pintan … el puente, la casa, la barca y ya han acabado..: yo quiero pintar la atmósfera en la que están situados el puente, la casa y la barca. La belleza del ambiente en que se encuentran, y esto no es otra cosa que lo imposible

LA OBRA EN SU CONTEXTO:
Comitente
Los pintores impresionistas ya no pintan por encargo. Ellos pintan lo que desean y, posteriormente, exponen sus obras bien en Salones de exposiciones colectivas, bien a través de marchantes de arte, profesión ésta que empieza a cobrar fuerza en la segunda mitad del XIX

Contexto espacial y funcional
Este cuadro formó parte de una exposición en el estudio del fotógrafo Nadar en 1874. Junto a Monet expusieron sus obras otros pintores impresionistas como Sisley, Pisarro. La crítica hacia ellos fue demoledora. Louis LeRoy, crítico de arte de la revista satírica Le Charivari, se ensañó especialmente con el cuadro de Monet, escribiendo:
Impresión..no me cabe duda. Me decía a mí mismo que, como estaba impresionado, debía haber alguna impresión allí..y qué libertad, que fácil artesanía! El empapelado en su estado mas embrionario tiene mas terminación que este paisaje marino. “
Partiendo de estas palabras tituló irónicamente su crítica a esta exposición: “ Exposición de los impresionistas “.
En contra de lo que pudiera esperarse, los pintores aludidos se tomaron el nombre como un halago, hasta el punto de autodenominarse “impresionistas “.




El autor y su obra
Monet comenzó influido por la pintura de Eugene Boudin, paisajista especializado en la pintura al aire libre, y por el paisajista holandés Jongkind.
                   Hasta 1870 Claude Monet fue muy influido por la obra de los pintores realistas Corot, Courbet y por el considerado padre del impresionismo, Manet, así como por las estampas japonesas. Tales influencias se aprecian en unos paisajes con pocos matices de color y escenas grupales que recuerdan El desayuno en la hierba de Manet: El desayuno, Mujeres en el jardín.
Monet: "Mujeres en el jardín" (1866)

Manet: "Desayuno en la hierba " (1863)

                   1870. Debido a la guerra Franco-Prusiana se estableció por una temporada en Londres. Allí conoció la obra de Turner y decidió volcarse sobre el paisaje y captar los estados atmosféricos. su paleta también se trasforma con colores brillantes y puros. Sin embargo, no solo creó obras sobre Londres  durante este año, sino que esta ciudad le inspiró en otras épocas como por ejemplo "El parlamento de Londres" que fue pintada entre 1900 y 1904.


Turner: "El temerario luchando " (1838)

Monet: "Parlamento de Londres" (1900-1904)

                   De vuelta a Francia en 1871 se establece en Argenteuil hasta 1878 y en los paisajes de esta etapa sienta las bases del movimiento impresionista. Es a esta etapa, en la que forma una sociedad con otros artistas impresionistas con ánimo de pintar y exponer juntos, a la que pertenece el cuadro objeto de este comentario. Otros cuadros de esta época son su serie sobre la estación de San Lázaro.



                   A partir de 1882 se distancia del grupo impresionista y alquila una casa en Giverny. Viaja por los P. Bajos, Bretaña, Londres, Mediterráneo.
                   A partir de 1890 vive definitivamente en Giverny (compra la casa). Pinta su famosa serie obre la catedral de Rouen a diferentes horas del día y repite una y otra vez hasta su muerte cuadros de los nenúfares que veía cerca de su casa.
"Los nenúfares"

"La catedral de Rouen "

                   Sus últimos años son difíciles como consecuencia de graves problemas de vista y depresión.



Movimiento artístico
Impresionismo. Otros pintores: Renoir, Pisarro, Sisley. Características:
Ø  La fotografía “obligaba” a una nueva forma de pintar la realidad.
Ø  Pinceladas pequeñas, muy empastadas, con mucho color, a modo de comas vibrantes.
Ø  Sustitución del claroscuro por fuertes efectos cromáticos logrados  mediante la yuxtaposición de colores complementarios.
Ø  Precedentes: el realismo francés (pintura al aire libre), las estampas japonesas (colores planos) y, por supuesto, Manet.
Ø  Tema principal: el paisaje, la pintura al aire libre.


Pisarro: "El bulevar de Montmatre"

Renoir: "La lectura del papel"

Sisley: "Un camino por Les Sablons"

Precedentes de la obra
Las pinturas de Turner, en las que el pintor inglés intentaba captar la atmósfera, El incendio del Parlamento de Londres.(1834)



Influencias o transcendencia de la obra
Monet fue el pintor referente de los artistas impresionistas. Su obra y estilo influirá en pintores posteriores como Kandinsky, Matisse, Pollock.

Contexto histórico
Años posteriores al periodo imperial de Napoleón III. Francia ha sufrido la derrota de Sedán en la guerra franco-prusiana, París ha vivido los hechos de La Comuna. Se instaura la Tercera República promulgándose nuevas leyes constitucionales. Se continúa el gran desarrollo económico francés que se había empezado a potenciar con Napoleón III.


martes, 3 de noviembre de 2015

SAN PEDRO DE LA NAVE







FICHA TÉCNICA
       MANIFESTACIÓN ARTÍSTICA:  Arquitectura religiosa
       OBRA: San Pedro de la nave
       AUTOR: Desconocido
       MOV. ARTÍSTICO: Artes prerrománicos
       PERIODO: Visigótico
       CRONOLOGÍA: Siglo VII
       LOCALIZACIÓN: El Campillo (Zamora)


1.- TIPOLOGÍA DEL EDIFICIO
Edificio de carácter religioso. Se trata de una iglesia del arte prerrománico visigodo.

2.- ANÁLISIS TÉCNICO-FORMAL

ESPACIO INTERIOR
Materiales
El material utilizado fue piedra arenisca de color rojizo dispuesta en sillares bien escuadrados de diferentes medidas. Mármol las columnas y madera en algunas cubiertas.
Planta

Tradicionalmente se ha dicho que la planta combina una estructura cruciforme con una basilical. Inicialmente, la planta sería de cruz con dos dependencias laterales al chorus. Posteriormente se añadirían dos naves a los pies. Ahora vamos a describir los espacios que encontramos en el interior de la iglesia.

                La zona de los pies
Aquí observamos tres naves separadas por pilares que apean arcos de herradura (los dos primeros cegados). Espacio para los fieles. Se cubre hoy día con cubierta de madera y ladrillo
El cuerpo central: el crucero
Accedemos a él a través de un arco de herradura que apea sobre las columnas que están adosadas a dos pilares. Este espacio se cubre con arista no original. Es posible que éste fuera el lugar donde se impartiría la comunión.
  El cuerpo central: el transepto
Está formado por:
·      Dos espacios, uno a cada lado del crucero, y que vienen a ser la continuación de las naves laterales, con la particularidad de que hay un pilar que interrumpe el tránsito diáfano de esas naves a estos espacios. Se cubren con bóveda no original.
·     Dos pórticos: son dos espacios que sobresalen del resto del edificio, a través de los cuales se accede al templo. Sobre el vano de acceso a esos pórticos se encuentra otro vano que da a una cámara oculta, similar a la que se encuentra sobre el arco de la capilla mayor. Los pórticos se cubren con cubiertas no originales.


-          El chorus
Es el espacio que se encuentra entre el crucero y la capilla mayor. Era el lugar reservado para el clero. Se accede a él a través de un arco de herradura que apea sobre columnas adosadas a pilares.
-          Dependencias laterales al choros: ¿ergastulae?
Se encuentra una a cada lado del chorus: comunicadas con éste por puertas, que se cerraban desde el interior, y con ventanas con tres arquillos (vanos tríforos) soportados en columnas pequeñas, tras los que hay un pequeño banco o reclinatorio. Estas cámaras son el ejemplo más claro de las ergastulae o celdas para monjes reclusos, al igual que las de Santa Comba de Bande. De las tres ventanas con celosías, una está hacia el este y las otras dos hacia el norte en un caso y hacia el sur en el otro. Otras funcionalidades que se apuntan son:  espacios penitenciales, thesaurum, preparatorium…..Se cubren con bóveda de cañón original.


-          Ábside
Se accede a la capilla mayor a través, de nuevo, de un arco de herradura que apea sobre columnas adosadas a pilares. Su forma, como es normal en el prerrománico visigodo es rectangular (casi cuadrada) por dentro y por fuera. Por encima del arco de ingreso se encuentra un pequeño vano que da acceso a una cámara oculta (¿función de guardar tesoro?). La capilla mayor se cubre con bóveda de cañón original.


Elementos constructivos sustentantes
Como ya hemos visto:
o    Pilares en todo el edificio, siendo exentos solamente los que separan las naves.
o    Columnas adosadas a los pilares en el crucero y en el acceso a la capilla mayor.



Arcos
Como es característico del arte prerrománico visigodo, nos encontramos con arcos de herradura, cerrados un tercio del radio. Los arcos son:
o   Tres transversales: uno entre la nave central y el crucero, otro entre el crucero y el chorus y el último entre el chorus y la capilla mayor.
o  También observamos otros dos transversales, pero que no arrancan desde el suelo entre las naves laterales y los espacios del transepto.
o    Seis longitudinales entre la nave central y las laterales (tres de cada lado)
o    Otros dos longitudinales entre el crucero y los dos espacios contiguos a los lados.



Cubiertas
La mayor parte de las cubiertas han sido destrozadas. Se conservan las bóvedas de cañón de la capilla mayor y de las dos celdas.

Iluminación y vanos
Los vanos de entrada se encuentran en los pórticos laterales y son de arco de herradura cerrada un tercio del radio..
El resto de los vanos son, como es normal en los prerrománicos, muy estrechos y se sitúan en todo el perímetro del edificio.
Curiosos resultan los triples vanos de herradura que comunican el chorus con las ergastulae y los que lo hacen entre el transepto y las naves laterales.




Elementos decorativos
·         Un friso o banda recorre los muros de gran parte del templo con representaciones tales como las ruedas solares, flores de doce pétalos, cruces y otros motivos geométricos similares a los que encontramos en los cimacios de los capiteles del ábside. Muchos de esos motivos (especialmente las cruces) tendrían una misión apotropaica (protección del edificio)


  
·     En los ángulos de las basas de algunas columnas se representan los cuatro evangelistas con sus símbolos, tetramorfos. Significado simbólico: se sitúan en las basas de las columnas porque son los pilares sobre los que se asienta el cristianismo.


·         Capiteles: Son capiteles de forma troncocónica y con un ancho ábaco.
o    Columnas de acceso de las naves al crucero: presentan en la cesta del capitel dos temas claramente reconocibles, Daniel en el foso de los leones y El sacrificio de Isaac. Son, por tanto, dos temas que parecen incidir en la importancia de la fe para lograr la salvación. En las caras laterales del capitel aparecen cuatro cabezas de apóstoles que, en algún momento, se apartaron o dudaron de Cristo (Felipe, Tomás, Pedro y Pablo). Otros historiadores ven en esos apóstoles un mensaje para los monjes, pues fueron cuatro personajes vitales en la difusión del cristianismo. En las basas de esas columnas se encuentra la representación del tetramorfos, quizás por la importancia de los evangelistas como base sobre la que se levanta la Iglesia. En los ábacos hay entrelazos con aves y piñas.


o    Columnas de acceso del crucero al chorus: en la cesta del capitel se representan aves picoteando uvas. Su simbología podría estar relacionada con la comunión. Podemos pensar, incluso, que entre esas columnas es donde se situarían los fieles para recibir dicha comunión. En los ábacos hay entrelazos con cabecitas que algunos interpretan como los salvados en el Paraiso (relacionaría, pues, la Comunión con la Salvación). 


o    Columnas de acceso a la capilla mayor: presentan en la cesta unos motivos geométricos que parecen arcos y que se han interpretado como simplificaciones, esquematizaciones de la Jerusalén celeste. En los ábacos vemos unas ondulaciones que algunos interpretan como serpientes, el pecado vencido y expulsado de la capilla mayor.



o    Interpretaciones generales de esta decoración:
§  Olaguer señala en los capiteles occidentales un mensaje adoctrinador para los fieles: “se le recomienda obedecer a Dios..(igual que hiciese Abraham) y solicitar su ayuda por medio de la oración (como en el caso de Daniel); se le recuerda el ejemplo y la dedicación de cuatro grandes colaboradores de Cristo (Pedro, Pablo, Felipe y Tomás) y, finalmente, se le recuerda la ayuda que la Eucaristía (aves picoteando racimos) puede ofrecerle.” Respecto a los capiteles del arco toral Olaguer piensa en una simbología relacionada con la entrada en el Paraíso (arquerías) y el acceso a la inmortalidad (flores de doce pétalos) por la protección y el sacrificio de Cristo (las cruces)
§  Fontaine sostiene que en el camino hacia el altar procedemos a un camino ascensional que nos lleva de lo más figurativo a lo signual. Los temas figurativos, de fácil comprensión (necesidad de fe y oración), cercanos a los fieles. Le siguen los capiteles con significado más simbólico (aves con racimos: Paraíso y Eucaristía), para llegar, en espacios exclusivos del clero (iniciados en simbología más complicada) , a los temas casi abstractos de los arcos, las cruces, flores, discos solares (Dios como sol de justicia)
§  Partiendo de la parte inferior del templo, Hoppe afirma que la disposición de los cuatro evangelistas en las basas simboliza no sólo su función de pilares de la fe cristiana, sino también la necesidad de difundir la palabra de Cristo (libro que señala Pedro) por los cuatro puntos cardinales. Esa difusión debe ser llevada a cabo por los monjes, sucesores de los personajes que vemos en las caras laterales de los capiteles occidentales: Pedro y Pablo, que simbolizan la evangelización de occidente, y Tomás y Felipe, que aluden a la de Oriente. La figura de Daniel insistiría en ese mismo mensaje del monje como conversor de infieles (leones bebiendo) mientras que el sacrificio de Isaac, además de prefigurar a Cristo, inicia la exaltación del sacrificio de la Eucaristía como medio para alcanzar el Paraíso, exaltación que se concreta en los ábacos y en los capiteles de las aves picoteando frutos. En conclusión, Hoppe defiende un programa general relacionado con: la universalidad del mensaje cristiano y la necesidad de seguir difundiéndolo y la exaltación de la Eucaristía como vía de acceso al Paraíso.
Valoración plástica
El interior responde a la configuración típica de los edificios prerrománicos:
·         Fragmentación y jerarquización espacial en templos de reducidas dimensiones.
·         Unidades espaciales independientes.
·         Todo ello determina en el fiel que entra en la iglesia una visión parcial del edificio (espacio laberíntico y cueviforme, que diría Fernández Arenas).





ESPACIO EXTERIOR     
Lo más interesante es la riqueza volumétrica, con los espacios dispuestos a tres alturas diferentes:
-          Nave central, chorus, capilla mayor, transepto y pórticos a una altura (altura intermedia).
-          Naves laterales y ergastulae a otra (altura inferior).
-          Crucero a una diferente (espacio a mayor altura).
Como es característico de la arquitectura visigoda, estos volúmenes exteriores corresponden con precisión a los espacios interiores.
Espacio basilical: Se observa la diferente altura de las tres naves. Cubierta a dos aguas en la nave central y a una las laterales. En la parte del muro que corresponde a la nave central está un vano de ingreso, que para algunos historiadores no existiría en la iglesia original.
Cimborrio: espacio a mayor altura de la iglesia. Forma rectangular y cubierta a cuatro aguas.
Transepto: los dos espacios contiguos al crucero se cubren a dos aguas y se disponen a la misma altura que la nave central y los pórticos.
Pórticos: cubiertos a dos aguas y a la misma altura que los espacios anteriores. En ellos se disponen los arcos de herradura de ingreso al templo.
El chorus: espacio dispuesto a la misma altura que la capilla mayor y, como ésta, cubierto a dos aguas.
La cabecera: la capilla mayor sobresale del resto del edificio, pero está a la misma altura que el espacio del chorus. Como es característico del prerrománico visigodo es rectangular (casi cuadrada) tanto por dentro como por fuera. Se cubre a dos aguas.
Las ergastulae: Están a una altura inferior a la del chorus yla capilla mayor y se cubren a una sola agua.
En cuanto a aspectos decorativos destacar las poderosas impostas sobre las que se levantan los arcos de herradura de los pórticos.  Los motivos son los mismos que la franja del interior: cruces, ruedas solares ….



LA OBRA EN SU CONTEXTO
Contexto espacial y funcional
Situada en el pequeño pueblo de El Campillo en la provincia de Zamora. Allí fue trasladada en 1930 cuando se construyó el embalse de Ricobayo, cuyas aguas iban a anegar el pueblo de La Nave. El traslado se hizo bajo la supervisión del arquitecto Alejandro Ferrant, quien, según algunos historiadores, quizás pudo rehacer algunos espacios y/o algunas estructuras con criterios historicistas.
En cuanto a su función, parece que en su origen fue iglesia de una comunidad monástica. Pasados los años y, según parece apuntar la ampliación de las naves laterales, se pudo convertir en iglesia de culto general y público con “pórticos como lugares de reunión o de espera antes del comienzo de los cultos; estancias o sacristías para guardar las especies, las ropas litúrgicas y demás necesidades de atención a una feligresía, y desvanes o altillos donde custodiar adecuadamente los objetos más valiosos de la iglesia” (Olaguer Feliu).
Como ya se ha explicado los espacios interiores estaban jerarquizados de tal manera que los presentes en el culto tenían adjudicado su lugar en función de su condición.

Autor
No conocemos el autor.

Cronología
Construida en el siglo VII, pero en dos momentos:
-          Inicialmente, la iglesia tenía planta cruciforme.
-          En un segundo momento se añadirían las naves laterales dando el aspecto basilical y los capiteles interiores.
La razón de los dos momentos constructivos parece ligada a errores efectuados por el primer grupo de canteros. Según Corzo “ el proyecto original de la iglesia era un edificio cruciforme, inspirado en modelos bizantinos y transmitido por monjes con amplia formación en conceptos simbólicos a una cuadrilla de artesanos y canteros locales, que lo ejecutaron con notables errores “
Movimiento artístico
Edificio perteneciente al mal llamado prerrománico visigodo.
 Características generales del arte prerrománico visigodo
Al igual que en otros aspectos (derecho, administración, idioma ...) el arte visigodo es heredero en varios aspectos del arte hispano-romano del Bajo Imperio. Esto es apreciable tanto en el aprovechamiento de materiales (columnas) como en los sistemas constructivos (sillares unidos a hueso, cubiertas abovedadas)
La influencia del norte de África y, sobre todo, la influencia oriental del mundo bizantino se apreciará fundamentalmente en el gusto por las plantas centrales y, de un modo especial, por las de cruz griega.
o    Materiales: Como herederos de la tradición constructiva romana, emplearon la piedra dispuesta en sillares bien tallados y escuadrados, de forma que se unen normalmente a hueso ( sin necesidad de argamasa )
o   Soportes: columnas y pilares con columnas adosadas (como en el caso que nos ocupa). Las columnas pueden ser aprovechadas de edificios romanos o imitando el capitel corintio. En el caso que nos ocupa son capiteles troncocónicos
  Arcos: de herradura cerrada 1/3 del radio. 


o    Cubiertas: Siguiendo la tradición romana utilizaron básicamente cubiertas de madera para las naves, bóveda de cañón para la mayoría de las dependencias y arista para el crucero.
o    Plantas: basilicales y cruciformes.
§  Iglesias de planta basilical con capillas independientes: San Juan de Baños.
§  Iglesias de planta de cruz griega: San Fructuoso de Montelios .
§  Iglesias de planta mixta: Sta Comba de Bande y la propia de S. Pedro de la Nave.




o    Compartimentación espacial: esta compartimentación está directamente relacionada con la liturgia hispana que perduró hasta el siglo XI. En esa liturgia se delimitaban los espacios para los asistentes al rito: fieles, clero mayor, clero menor, oficiantes, penitentes. Esos espacios se separaban por canceles e iconostasio, que no han llegado a nuestros días
o    Escultura y pintura: es el arte prerrománico con mejores y más frecuentes representaciones escultóricas (como el caso que nos ocupa o, por ejemplo, Quintanilla de las Viñas). 



Relación con otras iglesias
La planta de San Pedro de la Nave guarda especial relación con la iglesia de Sta Comba de Bande. Prácticamente las únicas diferencias que presenta son:
§  San Pedro tiene los dos pórticos que sobresalen del resto de la planta.
§  Los espacios laterales a la nave central se disponen también a modo de naves y no como dependencias.







Contexto histórico
España visigótica. Los visigodos habían entrado inicialmente en la Hispania romana como aliados de Roma (foedus de Walia) con el compromiso de expulsar a vándalos, suevos y alanos. Como recompensa obtuvieron territorios al sur de Francia (reino visigodo de Toulouse). A principios del siglo VI, derrotados por los francos, cruzan los Pirineos y se instalan definitivamente en la Península estableciendo un reino con capital en Toledo. Acometieron entonces un proceso de unificación territorial (Leovigildo), religioso (Recaredo) y jurídico (Recesvinto) que no hizo si no consolidar el estado y la unión del mismo con la Iglesia.
Fue éste un periodo, como en el resto de antiguos territorios que habían pertenecido al Imperio romano, de ruralización, de economía básicamente de subsistencia.

CONCLUSIÓN

San Pedro de la Nave quizás sea la iglesia más completa y más compleja del prerrománico visigodo que ha llegado hasta nuestros días. A su arquitectura fiel reflejo de las características que definen el prerrománico une una iconografía escultórica que apenas si tiene parangón no ya en el prerrománico español (donde sólo Quintanilla se equipararía) sino en todo el prerrománico europeo.

Enlace de mayor interés:

http://www.jdiezarnal.com/sanpedrodelanave.html